Esta semana nos cinemas:

• "Arrugas"                Nota IMDB7.3/10
• "Great Expectations"                Nota IMDB6.2/10
• "The Reluctant Fundamentalist"                Nota IMDB6.2/10
• "Natural Selection"                Nota IMDB6.0/10
• "The Loneliest Planet"                Nota IMDB5.5/10
• "Fast & Furious 6"                Nota IMDB7.7/10

Nota Introdutória

Face aos resultados preocupantes da bilheteira que nos chegaram ontem – as salas portuguesas perderam quase um milhão de espectadores até abril, face ao mesmo período no ano passado, traduzindo-se numa quebra de mais de 20% na audiência – cremos obstinadamente que é preciso ir ao Cinema.

Não sendo Portugal um país com uma cultura de crítica de Cinema como outrora foi, é crucial começar a entender o seu papel – por mais pequeno que se vá tornando – no salvamento de um meio que vê a sua luz verde afastar-se ao longe. A crítica não serve para implantar ideias ou opiniões – ao contrário, tem o propósito de contrapor argumentos, iniciar conversas, por cabeças a pensar, e, no limite, levar as pessoas à sala, mesmo que seja para constatar que estão em completo desacordo com determinado crítico. Esta é a Era em que a paixão pelo Cinema deve ser demonstrada em cada palavra – sem que para isso se tenha de gostar cegamente de tudo o que se vê.

É muito nesse espírito otimista, que também tantas vezes nos falha enquanto povo, que gostamos de apresentar as coisas “on the bright side of life”. É nesse espírito que tentarei hoje falar de “The Great Gatsby”, de Baz Luhrmann.

*** *** ***

“So we beat on, boats against the current, borne back ceaselessly into the past.”

O enredo é tão familiar para os amantes de literatura como o é a história da carochinha para os nossos pequenos, mas por respeito a coesão estrutural e leitores não-familiarizados com a mesma, dispomo-nos a um pequeno aperitivo: a história arranca com o nosso narrador e aspirante a escritor - Nick Carraway - que deixa o Oeste para ir para Nova Iorque na primavera de 1922. O tempo é de moral duvidosa, do jazz deslumbrante e dos reis do contrabando – os anos 20 estão, de facto, no epítome da sua loucura. Perseguindo o Sonho Americano, Nick instala-se perto da casa do misterioso milionário Jay Gatsby e também da casa da sua prima Daisy e o seu mulherengo marido de sangue-azul, Tom Buchanan. É assim que Nick é atraído para o cativante mundo dos super-ricos, das suas ilusões, dos seus amores e deceções. Nick assiste, dentro e fora do mundo que habita, à história de um amor impossível, sonhos incorruptíveis e amargas tragédias, que nos levam inequívoca e simultaneamente, ao retrato de uma era marcante da história contemporânea e à reflexão sobre algumas das nossas lutas do mundo atual.

Na obra,– no livro sobretudo, e em maior ou menor grau também nas suas adaptações – o quadro geral é muito mais vasto do que “apenas” uma tragédia de amor assolapado. Na verdade, a noção do declínio do Sonho Americano chega a ser tão importante que é mesmo revisto no melodrama entre Jay e Daisy, que arrasta todos os seus amigos num turbilhão de desgraça. A meditação simbólica de Fitzgerald gira à volta de uma América desintegrada, situada numa era de prosperidade e excessos sem precedentes. Excessos esses que propiciam outra crítica e reflexão sociológica bem patente: o vazio da classe alta, que nesta nova era de fortunas, se divide entre a velha aristocracia de East Egg (Tom e Daisy, por exemplo) e os “novos-ricos” de West Egg (Gatsby).

Entre outros temas relevantes – aos quais não posso dar a atenção merecida por constrangimentos de espaço e tempo – encontramos a violência, a religião, papéis sociais de género, honestidade, etc.

“The Great Gatsby”, o filme, é, certamente, profundamente divisivo, encontrando paralelos curiosos com uma outra estreia deste mês – “Spring Breakers – Viagem de Finalistas”. Tudo depende na crença pessoal e individual de cada espectador no realizador que dirige os trabalhos, e nesse sentido, ou temos uma das suas adaptações menores, ou a mais metafísica. Das duas uma: ou estilo intrépido e opulento de Luhrmann ignora ofensivamente as condenações sociais de Fitzgerald, ou faz uso desse ridículo excessivo para colocar o mesmo comentário e ainda estender a hipérbole até à natureza atual de Hollywood – da qual ele próprio faz parte.

De um modo geral, e excluindo algumas liberdades narrativas (no caso do arco de Nick, por exemplo) e algumas omissões compreensíveis (desenvolvimento de algumas personagens, como Myrtle e Jordan), esta é uma adaptação bastante fiel à obra de Fitzgerald, tanto em termos de “checkpoints narrativos”, como em termos de diálogo propriamente dito.

O maior problema reside, todavia, na palavra “adaptação”. Porque Luhrmann quis recriar o Gatsby de Fitzgerald, mas a recriação ficou-se em muitas instâncias, pela recitação. E a lealdade literal às palavras escritas não faz, necessária e frequentemente, o sucesso de uma adaptação.

“The Great Gatsby” é um livro, e foi pensado e escrito como tal, tendo persistido no imaginário de gerações pela equilibrada convergência de fatores que resultaram naquelas exatas palavras, escritas naquele exato contexto. O Cinema é um meio totalmente distinto, que goza da disponibilidade de som e imagens, mas que sofre com os constrangimentos impostos pelo tempo. Ambos contam histórias, é verdade – mas também é verdade que uma bicicleta e um avião nos transportam de um lado para outro, e não é por isso que são minimamente comparáveis, existindo na sua plenitude como meios de transporte individuais. O Cinema e a Literatura funcionam na mesma base, e se Fitzgerald soube explorar ao máximo as qualidades do universo escrito, uma mente semelhante seria requerida para transpor a mesma história para outro meio completamente distinto como o Cinema, algo que, admitidamente, Baz Luhrmann não consegue fazer.

O realizador australiano não desvendou os segredos do universo ou conjurou alguma magia alquímica que tornam a fabulosa obra de Fitzgerald num semelhante titã narrativo transposto num meio diferente, mas a sua versão está, mesmo assim, longe de monstro que muitos acidamente adivinharam.

Luhrmann oferece uma visão provocadora do material base, que pretende ilustrar os seus temas e emoções complexos através da lente do Cinema moderno.

O estilo berrante e extravagante sempre foi uma das suas imagens de marca, mas o seu recorrente regresso a histórias de amor impossível parecem permitir o vislumbre de um coração apaixonado e resplandecente. Na primeira metade, o estilo explode numa bola de fogo de vida e cor. Na segunda, Luhrmann sabe diminuir a intensidade (ainda que nem sempre saiba manter o ritmo), e oferece uma narrativa paciente - o climax, curiosamente, tem o sabor de comida aquecida, não estando ao nível do que ficou para trás.

Como cd para rodar lá em casa ou no carro, a banda sonora atinge vários momentos de genialidade. Todavia, quando chega a altura de contextualização do filme, os resultados são inconsistentes – se por vezes o anacronismo fornece uma nova camada de significado, noutros momentos parece genuinamente deslocada ou subaproveitada.

A recriação de Nova Iorque e do Vale das Cinzas funcionam mais no plano de uma realidade sonhada do que propriamente uma autenticidade palpável. Enquanto o 3D não acrescenta grandes valores dignos de nota, é a incomparável identidade visual deste “Gatsby” que, não obstante possíveis críticas, ficará na memória – um eterno símbolo da opulência e extravagância que Luhrmann soube tão bem ordenhar.

O design de produção orgasticamente sumptuoso e o guarda-roupa (com belíssimas criações de Prada, Miu Miu e Brooks Brothers) são avassaladores, e decerto voltaremos a ouvir falar deles daqui a algunas meses, quando se iniciar a awards season.

No elenco, o destaque vai inequivocamente para o homem por detrás da personagem titular – Leonardo DiCaprio convém na perfeição o perigo mercurial e a dualidade que perseguiu Gatsby ao longo das páginas de Fitzgerald. Em Carey Mulligan encontra uma parceria de sucesso, com uma Daisy que equilibra satisfatoriamente um coração dorido e um vazio inexplicável. Joel Edgerton é o verdadeiro leão que Fitzgerald escreveu e Tobey Maguire, sem ser fora de série, dá a Nick a inocência e patetice de um observador exterior, que se convulsa para perceber o que o rodeia.

Resumindo e concluindo, até porque a procissão já vai longa, talvez Carraway tenha razão: “não podemos repetir o passado”. Talvez seja até essa a razão que justifique a aparente impossibilidade de adaptar o clássico de Fitzgerald. São quase 100 anos de diferença e os meios estão mais diferentes do que uma mente selvagem poderia imaginar. E se não podemos repetir o passado, podemos olhá-lo, refletir, e encarar o futuro.

No que podemos acreditar, é que este “Gatsby” pode ser a própria luz verde de Luhrmann, lá ao longe, no final do cais. Também como Gatsby, Luhrmann encontrou na extravagância e excesso a sua forma de a alcançar.

Se foi bem ou mal sucedido, isso caberá a cada um de nós decidir.

7.5/10

"I write on water what I dare not say"

Houve alguém que disse – e não com pouca razão – que se “The Tree of Life” foi a “2001: A Space Odyssey” de Terrence Malick, então “To the Wonder” é o seu “Blue Valentine”.

Depois de 40 anos de carreira que se espremeram em apenas cinco longas-metragens, Malick parece ter abandonado o modo “velocidade geológica” ao lançar um novo filme apenas um ano depois do seu último (“To the Wonder” estreou no festival de Cinema de Veneza no distante setembro do ano passado), e tendo mais três projetos no horizonte para os próximos dois anos. O novo drama - que atestado está que se mostrará tão divisivo, ou até mais, que o seu antecessor - explora corajosa e liricamente as complexidades do Amor em todas as suas formas.

Marina é uma mãe solteira parisiense que se apaixona por Neil, um turista americano. Juntos, apaixonam-se e vivem intensamente na eterna cidade do amor – Paris. Quando Neil regressa a Oklahoma, Marina e a sua filha de 10 anos vêm com ele, dispostos a iniciar uma vida como família. Todavia, a relutância de Neil em casar é apenas um sintoma de uma relação que, não se sabe bem quando, entrou em fase minguante. Quando o seu visa está prestes a expirar, Marina conhece um Padre que, também ele, se convulsa com questões interiores, de fé e amor. Enquanto isso, e para complicar um quadro já tão complexo, Neil reencontra-se com o amor de infância, Jane. O paralelismo entre o “triângulo amoroso” e o Padre é claro: a perda da chama do amor assemelha-se muito a uma crise de fé, e vice-versa.

"A Essência do Amor" faz a crónica das purezas e dores do amor romântico, enquanto elabora, ao mesmo tempo, sobre ideias que envolvem uma presença maior que nos guia. É um quadro dicotómico - doce e tortuoso, claro e lúcido enquanto é opaco - e uma das visões mais poéticas e assombrosas das lutas, tentações, convulsões e ilusões do Amor.

Este pode não ser o melhor filme de Malick, ou sequer o mais ambicioso. Mas ao lidar com questões tão pessoais como o amor e a crença, o realizador desafia-nos a pensar. Não há muitos cineastas capazes de abordar tais questões fraturantes, muito menos de forma tão visceral e simultaneamente artística.

Como vem sendo hábito na sua filmografia, a narrativa não existe nos limites que tradicionalmente lhe conhecemos – ainda que este seja, por ventura, o mais linear das suas incursões -, mas paira mais como uma série de memórias, relances, sentimentos; mais uma ópera do que propriamente um filme.

Tal como aconteceu em “The Tree of Life”, é a protagonista feminina que se destaca de um lote muito reduzido de atores. Olga Kurylenko é hipnótica como Marina, provendo-lhe uma ferocidade emocional que é o nosso principal ponto de ligação. Em contraste, Ben Affleck parece mais um erro de casting – enquanto é verdade que nem todos os atores serão capazes de suprir os requisitos do trabalho difícil com Malick, o realizador de “Argo” parece aqui especialmente perdido.

“To the Wonder” é mais um testamento à constante procura de respostas a perguntas sem resposta por parte de Malick: qual é a nossa relação com uma presença maior que pode guiar as nossas escolhas? Como é que nos relacionamos com os outros e o que nos rodeia? O que é o amor, e como aprendemos a conviver com ele, domá-lo?

Eventualmente, e revisitando a questão da “Escolha” colocada no próprio filme, “To the Wonder” aproxima-se perigosamente de uma espécie de autorreferência parodiada, que não beneficia em nada de um terceiro ato redundante – tanto visual, como retoricamente. Contudo, estas são faltas cometidas apenas por aqueles que tentam a diferença através da escolha.

E se são falhas dessas com as quais teremos de conviver para continuar a beber da mente de um dos mais poderosos e distintos cineastas americanos, então esse é apenas um pequeno preço a pagar por uma experiência única que continua a fazer valer o estatuto de Arte ao Cinema.

Em jeito de fecho, há muito neste novo filme de Malick que se constrói à volta da dúvida, da dor, da solidão e da perda. Terá o seu espírito otimista ficado perdido pelo caminho? Não necessariamente, já que o final aberto pode trazer, de acordo com a interpretação, a redenção.

Porque o homem vive na ânsia. A ânsia do bem, do grande, do divino, do amor. E é essa ânsia, essa sede que se alimenta dos sonhos, que no final nos salvará da negritude do desespero.

8.0/10

É uma reunião - por assim dizer - que esperavamos há anos: Bill Nighy volta a colaborar com Richard Curtis ("Love Actually") num novo projeto que ganhou hoje um trailer oficial.

Em "About Time", Tim é descendente de uma família de viajantes do tempo que usam o seu poder para ajudar o mundo. Ao descobrir o útil dom, o jovem vê-se, no entanto, a usá-lo em proveito próprio... como para conquistar um interesse amoroso.

O tema do Amor continua na ordem do dia - apelando assim aos fãs de "Love Actually" - mas desta vez acrescenta-se-lhe um toque de ficção científica que poderá trazer resultados interessantes.

A adaptação da história trágica e real de Oscar Grant foi a grande sensação do Festival de Sundance este ano, e porque o lançamento americano se aproxima, a Weinstein Company resolveu lançar o seu primeiro trailer oficial.

Segundo a sinopse oficial, Oscar Grant era um jovem residente da Bay Area que adorava os amigos, era generoso com estrangeiros e tinha muitas dificuldades em dizer a verdade à mãe sobre a sua bela filha. Era medroso e corajoso, e charmoso e honesto, e tão humano como a comunidade à qual pertencia. Esta comunidade prestava-lhe atenção, gritava por ele, e filmou-o com os seus telemóveis quando agentes da BART o alvejaram a sangue frio numa estação de metro de Fruitvale no dia de ano novo em 2009.

É um dos dramas mais aguardados do ano - não só, mas sobretudo porque conta com um elenco que, descrever com a palavra "luxo" é pouco. Meryl Streep, Julia Roberts, Juliette Lewis, Dermot Mulroney, Benedict Cumberbatch, Ewan McGregor, Abigail Breslin, Chris Cooper e Sam Shepard juntam-se sob a direção de John Wells para trazer às salas "August: Osage Country". 

No enredo,  Violet, uma dura mas carismática matriarca de uma família disfuncional, reúne-se novamente com as suas filhas adultas - Barbara, Karen e Ivy - numa altura de enorme provação e preocupação para todos os envolvidos.

Foi lançado online o primeiro trailer oficial de "Gravity", o muito ansiado filme de ficção-científica de Alfonso Cuáron, protagonizado por Sandra Bulock e George Clooney.
 

"You're all going to die tonight!"

A espera foi impaciente e o momento do regresso de “The Evil Dead” chegou, desta vez pela direção de Fede Alvarez, mas com o aval na produção das forças motrizes do original, Sam Raimi e Bruce Campbell, o eterno Ash.

Em “Evil Dead”, Mia e David são dois irmãos distantes cuja mãe faleceu recentemente e que decidem reunir-se numa cabana com vários amigos de infância para realizarem uma intervenção a Mia, uma crónica viciada em drogas que se quer reabilitar. Na cabana isolada, Mia atira as suas últimas doses de droga para um poço, começando assim a enfrentar os debilitantes sintomas da desintoxicação. Entretanto, um elemento do grupo descobre o Livro dos Mortos e fica obcecado pela sua transcrição e tradução. Mal saberia qualquer um deles que o que estaria para acontecer libertaria um perigoso demónio que promete destruir tudo e todos, deixando um rasto sangrento inimaginável.

A reimaginação do clássico de culto tem em falta muitos dos elementos extravagantes que tornaram o original tão delicioso – na verdade, o tom é manifestamente diferente, pairando constantemente uma aura negra sobre a versão de Alvarez, enquanto recordamos a de Raimi com o sorriso matreiro e desconfortável.

Todavia, vale a pena tirar o chapéu à diferença. O ponto de partida da mudança é inteligente, aproveitando o que o original tinha mais fraco – a história - e desenvolvê-lo. Se na versão de Raimi os estudantes de reuniam porque sim, desta feita existe uma finalidade muito específica e importante para a interpretação do filme – atacar o problema de dependência de Mia, que, juntamente com o enredo desgraçado que já conhecemos, constitui uma sólida alegoria, onde o vício representa a possessão e vice-versa.

Funciona, é verdade, mas para elevação maior do novo filme, esperava-se ainda algo mais, pois a tal reflexão acaba tantas vezes perdida (ou mesmo esquecida) num mar de sangue, tripas e desmembramentos. É quase uma existência esquizofrénica, que tenta respirar num cerne de enredo fresco, mas que se sente na obrigação de revisitar uma série de lugares familiares que entusiasmam a plateia, diga-se, mas acabam por diluir a potencialidade da originalidade das decisões criativas de Alvarez e companhia.

Muita tinta já correu sobre os níveis de gore e violência no remake de Alvarez, pelo que acrescentaremos apenas o seguinte, em consciente tom de provocação: fazem a versão de Sam Raimi parecer um episódio dos Teletubbies – ainda que devamos recordar que esta mantém, até hoje, um rating X atribuído pela Motion Picture Association of America.

Não é habitual no Cinema de terror reservar grandes destaques ao elenco, mas neste caso em particular é imperativo dar todo o crédito e mais algum a Jane Levy que carrega autenticamente o filme às costas, e consegue prover com bastante eficiência (e sacrifício) os diferentes lados da alegoria – quer na configuração frágil do início, quer na sua contínua e radical transformação ao longo dos 90 minutos.

Se secretamente desejavamos algo capaz de superar o original, ainda não foi desta – ainda que tal asserção pareça, por várias razões e contextos, impossível. Mas mesmo sem a personalidade, humor ou o enquadramento de género do original de 1981, a versão de 2013 é um remake acima da média, que honra devidamente a sua origem, enquanto se reimagina para o público do novo milénio, com uma façanha técnica tremenda e uma queda muito particular para sangramentos viscerais, tripas expostas e uma generosa dose da boa e velha ultraviolência.

7.0/10